Neko

16.12.05

Rauschenberg


Pintor estadounidense que representó un papel importante en la transición desde el expresionismo abstracto al Pop Art. Nació en Port Arthur, Texas. Estudió arte en París y en diferentes escuelas de Estados Unidos, incluyendo el Black Mountain College, donde tuvo como profesor a Josef Albers.
Entre sus primeros trabajos destacan unas cajas que contienen cianotipos, pinturas en blanco y negro y algunos objetos. A principios de 1950 realizó pinturas collage, en las que los lienzos expresionistas libremente pintados fueron cubiertos con fragmentos textiles, fotografías y recortes de periódicos rasgados.
En 1955 hizo sus primeras Asociaciones, ensamblajes tridimensionales en los que las pinturas se combinaron con imágenes encontradas, como fotografías y objetos de la cultura popular tales como señales de tráfico, focos, bombillas, botellas de Coca-Cola o aparatos de radio, que creaban unos efectos irónicos o ridículos. El más conocido de ellos, Monograma (1955-1959, Museo Moderno de Estocolmo), presenta una cabra disecada con un neumático a modo de imposible flotador. Estos trabajos híbridos, enfatizando los objetos fabricados en serie, tuvieron una fuerte influencia en el arte pop de la década de 1960.

A partir de 1962, Rauschenberg experimentó con la estampación por serigrafía, primero en blanco y negro y más tarde en color, en la que la repetición de la imaginería tuvo un papel destacado. La mayor parte de su obra artística de las décadas de 1970 y 1980 la dedicó a los collages, las litografías y otras formas de las artes gráficas, incluyendo la fotografía. En 1981 aparecieron las Fotografías Rauschenberg


14.12.05

Crea tu retrato Pop Art

Si quieres crear tu propio retrato Pop Art para hacerlo necesitas tener acceso al programa Photoshop y seguir los pasos que a continuación te indicaremos.
Pasos a seguir
1. Abrimos el retrato que queremos transformar en una obra de pop-art y la ponemos en modo RGB y la desaturamos. Para nuestro ejercicio hemos elegido un retrato de Marylin.
2. Creamos una nueva capa que llamaremos piel y en ella seleccionamos, de una forma algo imperfecta, todas las partes del cuerpo del retrato como vemos en la siguiente imagen.
3. Seleccionamos nuestro color frontal -en el ejemplo los valores RGB son: 247, 193y 201- y rellenamos lo seleccionado. Cambiamos el modo de fusión de esta capa a Multiplicar y guardamos la selección. El resultado será algo así (vista parcial):
4. A partir de ahora todo el proceso se basa en seguir para cada parte del retrato los pasos descritos en los apartados 2 y 3, en resumen: capa nueva, selección, elección del color, rellenar y cambio de modo de fusión.
Siguiendo estos pasos es como hemos logrado el retrato que encabeza este ejercicio. Las seleccione guardadas nos servirán para acoplar los rellenos de color perfectamente, restando o sumando a otras selecciones.

Ahora veamos otra variante con este método. Lo que vamos a realizar va a ser un encadenamiento de imágenes tal y como hizo Warhol con sus series dando a la composición ritmo y color.
1. Primero reducimos el tamaño de la imagen anterior y si queremos hacer un encadenamiento de nueve imágenes, creamos un nuevo documento con el triple de ancho y alto que la imagen a insertar
2. Ahora vamos a realizar los retratos que vamos a insertar como serie en el documento nuevo. Procedemos a duplicar la capa de la imagen que hemos reducido y realizamos el primer cambio. sucesivamente iremos duplicando la imagen del fondo y haciendo nuevos cambios hasta tener las nueve capas con el retrato distinto en cada una de ellas como estos ejemplos
Para hacer los diferentes efectos de color tenemos diversos modos a experimentar: utilizar los ajustes (posterizar, curvas de color, corrección selectiva), filtros (solarizar, hallar bordes), modos de fusión de la capa (exclusión, sobreexponer color, multiplicar), capas de ajuste o relleno, o una mezcla entre estos métodos.
Cuando tengamos todas las capas con los distintos efectos de color iremos seleccionando y copiando cada una de ellas y pasándolas al documento nuevo donde las colocaremos en el orden que estimemos. El resultado final será algo así

Técnicas Pop Art


Los artistas del Pop art desarrollaron diferentes técnicas de trabajo. Entre las más importantes se encuentra la serigrafía. Esta es un procedimiento de impresión utilizado para hacer reproducciones de arte o anuncios, que consiste en filtrar los colores a través de una trama de seda, mientras que se recubren con una cola impermeabilizadora las partes que no deben filtrar.


Andy Warhol fue el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato. En sus obras los rasgos expresionistas se eliminaron de manera progresiva hasta reducir su trabajo a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, que hacía evidente el mundo del consumo.
En el fondo estaban tomando prestados los íconos más representativos de la sociedad de la cultura popular de finales de la década del cincuenta.

Debido a la evolución de técnicas, aquellas muestras alcanzaron la máxima despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía
Con esta tónica de trabajo reprodujo sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea, muestra de lo cual son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse Tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell; todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.

El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de público, como las ya mencionadas latas de sopa, o los botellines de Coca-Cola, se convirtieron en uno de los rasgos más interesantes y constantes de toda su producción.
Otro de sus recursos plásticos, era plasmar de forma cruda situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios: fue así como constituyó "Electric chair", una de sus obras más significativas.

Las obras de esta época se caracterizaron por su libérrima manipulación y la polémica que suscitaron en su momento. Tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras fuertemente contrastada, pero en todo caso vivo y brillante; así como por la temática, que siempre resultaba provocadora y a menudo angustiosa. Marilyn, una de sus obras más conocidas
Mediante la reproducción masiva consiguió despejar a los fetiches mediáticos que empleaba de sus referentes habituales, para convertirlos en iconos estereotipados con mero sentido decorativo.
En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina.
Para los conocedores de su obra, Andy Warhol estuvo marcado por la frivolidad y la extravagancia que establecieron a la postre una línea coherente entre obra y trayectoria vital, Warhol mismo era una característica de sus singulares obras, identificado por su peculiar aspecto andrógino y permanentemente tocado con un rubio flequillo.
Consciente de su imagen como parte de su obra, fue uno de los primeros creadores en explotar su persona con objetivos promocionales: de ese modo, y mediante un proceso de identificación, adquirió a los ojos del público significaciones propias de un producto publicitario más

Jasper Johns


Jasper Johns como pintor, escultor y artista gráfico estadounidense ha representado un papel importante en el desarrollo del arte de mediados del siglo XX en su país. En 1954 comenzó a pintar obras de un modo radicalmente diferente al expresionismo abstracto que dominaba la escena artística estadounidense en aquel momento.
Sus obras se centraban en temas tan conocidos como dianas, banderas estadounidenses, números y letras del alfabeto. Pintaba con objetividad y precisión, aplicando gruesas capas de pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. Esta idea de arte-como-objeto se convirtió en una poderosa influencia en la escultura y la pintura posteriores; solía integrar objetos tridimensionales a sus pinturas.
Hacia finales de la década de 1950 sus obras comenzaron a mostrar una composición más libre y suelta. En algunas añadía objetos reales sobre el lienzo, como reglas y compases. Comienzo falso en la que utiliza una plantilla para pintar intencionadamente etiquetas erróneas y manchas de color sobre los objetos pintados, es una obra llena de humor y juegos de significados, precedente del Pop Art.
A principios de 1987 volvió a abrir una nueva senda al exponer en la ciudad de Nueva York un ciclo de cuatro obras tituladas Las estaciones. Se considera que estas pinturas, de 2 m por 1,25 m, han sido especialmente significativas para la historia del arte estadounidense.

Andrew Warhol


El verdadero nombre de este máximo representante del pop art es Andrés Warhola. Es hijo de padres eslovacos, pero nacido en Estados Unidos, debido a que sus padres, justo antes de finalizar la primera guerra (1913) emigraron hacia allá en busca de fortuna y de una mejor calidad de vida. Warhol desde niño estuvo rodeado de un mundo de pobreza. Miseria que no aceptaba y luchaba por huir de ella desde muy chico.

En 1949 termina sus estudios y se va a Nueva Cork, aompañado por su madre. Es allí donde cambia su aspecto físico y decide operarse la nariz y utilizar un peluquín blanco y quitarse la “a” final de su apellido. En estos primeros años también diseñará objetos y escaparates para Tiffany´s y zapatos para la prestigiosa firma I. Miller. Pero su miedo a la pobreza que vivió desde chico le hizo querer alcanzar más éxito y dinero del que ya había alcanzado. "Me aterroriza poder perder todo en un minuto y volver a ser miserable, estar sin un duro”.

Lo que atrajo la mirada de Andy Warhol fueron los productos de consumo y la importancia que alcanzaban la televisión y los medios como vehículos para expandir el arte. Así vemos como el Pop art nacerá como respuesta al expresionismo abstracto. De lo cotidiano y popular hará arte. Un ejemplo de esto son sus primeras serigrafías de la sopa Campbell, las botellas de Coca-Cola, envases de jabón, latas de conserva, personajes del cómic o mitos eróticos como Marilyn Monroe.
Una vez ya conseguido el dinero, su objetivo será la fama. También conseguirá ser el retratista de la alta sociedad, donde tendrá la oportunidad de retratar a grandes personalidades como Elizabeth Taylor.
En la década de 1960 traslada su estudio al 231 de la calle 47 Este, donde se crea la "Factory" lugar de reunión y de experimentación en diversas actividades para los artistas "underground. Warhol no limitará su obra sólo a la pintura. También hará cine, dibujos, escultura, etcétera. Una vez alcanzada la fama, El incansable artista enfermó e ingresó en un hospital de Nueva York donde fallecería el 22 de febrero de 1987. Su cuerpo descansa en su localidad natal de Pittsburgh, la ciudad que abandonó a los 20 años dispuesto a salir de la miseria y conseguir la fortuna y la fama o como él decía: "ser alguien y no un don nadie".

13.12.05

Contexto histórico Pop



Sin duda el nacimiento de este movimiento (década de los cincuentas) es el reflejo de unos años turbulentos; la cultura de la post-guerra. Recién había terminado la Segunda Guerra, la que sabemos que fue bastante terrible y cruda. El mundo estaba dividido ahora en dos polos: La U.R.S.S Y Estados Unidos. Esta era una guerra más bien ideológica, de dos maneras de percibir el mundo; dos mesianismos.

Lógicamente, producto de este periodo (Guerra Fría) nacerán movimientos que reflejen la deshumanización del hombre. Comienzan a darse cuenta de la frialdad y de lo que es capaz el hombre. Vieron al hombre como una escoria; por lo tanto sólo podría producir basura. Puede decirse que 1945 supuso partir de cero o, por lo menos, de unos presupuestos radicalmente nuevos. La sensación de angustia o de absurdo, la meditación sobre el pasado inmediato y la responsabilidad individual o colectiva ante él o la misma sensación de insatisfacción ante la sociedad en la que se vivía, temas todos ellos presentes en la creación literaria y artística de la posguerra, tan sólo pueden entenderse a partir de esos presupuestos. El centro y fuente de inspiración del Pop Art será el modelo reinante hasta nuestros días: Estados Unidos y la sociedad capitalista.

Puede afirmarse que el pop-Art es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (la popular del capitalismo desarrollado) caracterizada por la tecnología, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie.
Este movimiento artístico quiso ir contra todas las leyes y cánones establecidos. Sus artistas fueron reacios a la enseñanza oficial de la Escuela de Artes Plásticas, por lo tanto, promovieron su renovación siguiendo las nuevas corrientes abstractas. Esto nos muestra claramente una rebeldía y absurdo ante la realidad en la que vivían. El por art fue uno de muchos movimientos que intentó transmitir este sentimiento.

Roy Lichtenstein


Nace en 1923 en la ciudad de New York, en una familia de clase media. Sus inquietudes por el arte comenzaron siendo el adolescente, donde se interesa por el jazz y pinta retratos de este tipo de música. Finalmente se gradúa en la Escuela Bellas Artes de Ohio con el firme convencimiento de estudiar arte. A ésta época corresponden sus obras expresionistas de modelos y naturalezas muertas.
El mismo año que obtiene un master en su Universidad (1949), se casa con Isabel Wilson.
Tiempo después se traslada a Cleveland donde de dibujante gráfico y mecánico, decorador de escaparates, diseñador de chapas metálicas... Allí nacerán sus hijos David Hoyt Lichtenstein y Mitchell Wilson Lichtenstein. En esta etapa de su vida queda de manifiesto su cambio de tendencia paulatina entre el expresionismo abstracto y el arte de los cómics.


Más tarde se traslada a New Jersey donde conoce a artistas de happenings/ambientes, como Allan Kaprov y Lucas Samara, entre otros, quienes lógicamente van a influir en su tendencia hacia este tipo de dibujos. Tiempo después empieza a utilizar la imaginería de la publicidad que evoca el consumismo y las tareas domesticas. Más tarde tiene oportunidad de ver la obra de Andy Warhol, que también aplica imaginería de cómics en la Castelli Gallery.
Hacia 1964 vuelve a Nueva Cork donde se vuelve a casar, esta vez con Dorothy Herzka. Luego conoce a Joel Fridman y experimenta cinematográficamente. A su vez, también prueba con la escultura. Finalmente termina su vida en 1997.


En definitiva, vemos como Roy Lichtenstein y su obra constituyen un brillante ejemplo de la revolucionaria perspectiva artística como es el Pop Art. La atención hacia los medios de comunicación masiva, la desenfadada parodia de motivos pictóricos y obras maestras del pasado, la recreación de objetos de uso cotidiano y la asociación de las Artes plásticas con el diseño gráfico e industrial, entre otros intereses artísticos de Lichtenstein, se ponen de manifiesto en más de 130 obras creadas entre 1952 y 1996, etapa en la que alcanzó originalidad y madurez plenas: esculturas, pinturas, y trabajos de gráfica, que representan con gran fortuna el sentido del humor, la ironía y la inclinación lúdica del artista, expresados a partir de juegos visuales sugerentes, del uso y la combinación de materiales convencionales y poco comunes y del tratamiento fresco y audaz de temas como la mujer, la naturaleza, el cuerpo humano y la vida cotidiana.


Algunas obras de Roy Lichtenstein.

Postulado y Tesis Pop


“El verdadero arte no está en los museos, sino en la calle, en los objetos del consumo diario”

“Si el arte es el reflejo del ambiente en e que vive la gente, el verdadero arte será el que lleva a la categoría artística a esos objetos con los que la gente vive a diario”

“Prestar atención al mundo que nos rodea”
-Comparar con dichas cosas que nos rodean
- Tomar imágenes o volúmenes tomado de la cultura de las masas
-Utilizar objetos corrientes
-Inspirarse en la publicidad
-Aislar el objeto o parte de él
-Ampliar el objeto otorgándole una personalidad que no tenía
- Crear una estrecha relación del arte con el entorno urbano
-Borrar las fronteras entre el arte y la vida
-Manipulación de la realidad cotidiana
- Exaltación del "yo" en miedo de una sociedad de consumo

2.11.05

origen


Este arte popular tiene sus orígenes en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres (ICA) a principios de la década de los 50`s, en la que la nueva visión de Hamilton o Paolozzi acerca las bellas artes a las artes populares y gráficas. Lawrence Alloway, crítico británico, dio el nombre de Pop Art en 1954 para denominar el arte popular que estaba creando la publicidad, los carteles y revistas y el diseño industrial. Fecha bastante significativa ya que fue inmediatamente tras la segunda guerra mundial, donde los valores y cánones sufrieron un profundo cambio. Ahora el hombre era visto como una escoria, por lo tanto, sólo podía producir escoria. El pop art tiene sus orígenes en el dadaísmo del que recoge el collage y el fotomontaje, aunque pronto se distancia de él para formarse como una corriente separada.
Este movimiento artístico saltará de Londres a Nueva York, donde comenzó como un rechazo al expresionismo abstracto al que consideraban excesivamente intelectual y apartado de la realidad social. Todo lo contrario al pop art que se inspira en el día a día de la vida urbana y cuyas fuentes de inspiración son el cómic, los anuncios publicitarios, el diseño de carteles y los elementos de la sociedad de consumo como los alimentos enlatados.
Estados Unidos será el país donde este movimiento será rápidamente absorbido y dinamizado, creando un estilo único de arte popular.

21.10.05

Pop art



El objetivo del siguiente trabajo es mostrar lo que fue y significó este movimiento. Ver cómo fue una respuesta y un espejo de los sentimientos que generó la época; la cultura de la post-guerra. Para entender el absurdo, angustia e ironía que manifiesta en profundo el Pop Art, es necesario remontarse a sus orígenes en Estados Unidos, país que fue su centro y eje principal. Para tener una visión más acabada del Pop art, creo necesario enunciar sus postulados y tesis, sus principales representantes como Andy Warhol y R. Lichtenstein, entre otros artistas, ver, através de las imágenes, la manera en que el arte cambió y fue una respusta a lo naturalmente establecido. Ahora el arte se basa en la realidad cotidiana, en los objetos de consumo diario, en la publicidad. De ahí la inspiración en la conocida lata de sopas Campbell's o las botellas de Coca Cola por las que Warhol se hiso tan conocido. "El verdadero arte está en la calle, y no en los museos" señalaban sus exponentes.
Para llevar a cabo este trabajo, utilizaré como fuentes principales a internet, además de los apuntes de un curso de Historia del arte que hace poco realicé.